L’art engagé de Faith Ringgold

La première partie de l’exposition revient sur l’engagement de Faith Ringgold contre le racisme ordinaire, notamment via sa série American People (Les Américains). En 1967, alors que les tensions sont à leur comble, elle peint selon une palette sombre et subtile des toiles dites Black Light (Lumière noire). « Je voulais m’engager désormais dans la lumière noire », affirme-t-elle, « dans des nuances chromatiques subtiles et dans des compositions basées sur mon intérêt nouveau pour les rythmes et les motifs africains. » Elle y célèbre la beauté afro nouvellement reconnue à travers du slogan « Black is Beautiful ». En parallèle, ses affiches militantes avec des compositions typographiques sont exposées et démontrent l’engagement de l’artiste au sein du mouvement Black Power.

Dans la seconde section, Faith Ringgold dénonce « l’American Way of Life » au lendemain de la ségrégation. Une de ses créations les plus choques y est figurée : American People Series #20: Die (1967). Elle s’inspire de Guernica, peint par Palo Picasso en 1937, l’un de ses tableaux préférés qu’elle a pu voir au MoMA. L’immense toile disposée sur le mur est beaucoup plus crue et sanglante que l’artiste catalan, présentant la violence du quotidien entre hommes, femmes, et enfants, sans différenciation de couleur de peau. Elle explique qu’elle « ne voulai[t] pas que les gens puissent regarder et détourner le regard, parce que beaucoup de gens font ça avec l’art. Je veux qu’ils regardent et voient. Je veux agripper leurs yeux et les maintenir ouverts, parce que c’est ça, l’Amérique. »

Dans la salle suivante, le visiteur découvre les célèbres Tankas de Faith Ringgold, elle qui a « commencé à peindre et à créer un art correspondant à [son] identité de femme noire. » Après un séjour à Amsterdam, elle découvre au Rijksmuseum des Tankas : des peintures sur tissu tibétaines et népalaises du XVe siècle qui lui inspire sa première série picturale textile Slave Rape. L’artiste y aborde pour la première fois la question de l’esclavage.

Un autre espace présente ensuite les œuvres inspirées de son passage à Paris et dans le sud de la France, avec les artistes phares qui l’ont inspiré, tel que Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Matisse, et tant d’autres : « avec The French Collection, je voulais montrer qu’il y avait des Noirs à l’époque de Picasso, de Monet et de Matisse, montrer que l’art africain et les Noirs avaient leur place dans cette histoire ». Elle y déploie des situations imaginaires, pleines de fantaisie, mettant en scène des acteurs réels historiques, des lieux de la scène française mais aussi des personnalités africaines américaines historiques et contemporaines, mélangeant époques et générations.

Enfin, la dernière partie revient sur un spectacle-performance itinérant qu’elle a mis en place, intitulé The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro (1975-1989). En réponse à la commémoration du bicentenaire de la déclaration d’indépendance des États-Unis du 4 juillet 1776, elle a conçu un récit allégorique sur la condition des Noirs à partir d’une installation d’effigies en tissus, d’accessoires et de fleurs : un couple africain-américain décédé, Buba et Bena, ressuscite dans un monde meilleur et égalitaire. La performance a lieu sur un fond sonore d’extraits du discours de Martin Luther King, « I Have a dream », ainsi que des célèbres Gospels, terminant ainsi la visite de l’exposition sur le positivisme et l’espoir de changement qui caractérise l’artiste.